香港故宫文化博物馆 | 从波提切利到梵高：英国国家美术馆珍藏展

9000. 展览简介

欢迎莅临香港故宫文化博物馆特别展览「从波提切利到梵高：英国国家美术馆珍藏展」。我们会带你穿越四个世纪的西方艺术史。透过对二十幅名画的讲解，你会更深入地认识文艺复兴、印象派到后印象派，以及西方绘画的类别和技巧。你将学会：如何欣赏一幅画？何谓名画？何谓大师？大师们创作的背景又是如何？你必能从中找到答案。

9001. 书房中的圣哲罗姆

安托内罗．达．梅西那创作的这幅画几何构图清晰、描绘细致，堪称经典杰作。请看画中所绘以砂岩建造的入口拱门，建筑材料画得非常细致。这些石块精密接合，每一块都与相邻者的不同，显示各含有不同矿物成分。

安托内罗是文艺复兴早期意大利南部地区极为重要的画家。「文艺复兴」一词，源自法文，意思是「重生」，是指从十四世纪初期到十六世纪中期，人们对于主要源自意大利地区的古典艺术和学术重新产生兴趣。该单词也用以描述这个时期的艺术风格。当时的艺术家也学会了数学透视法，让平面画作中的景物看起来深度不一，彻底改变了这个时期的绘画艺术。荷兰艺术家则发展了油画技术，绘画创作因而能够达到高度逼真的效果。

9002. 圣母子

乔瓦尼．贝利尼是威尼斯极具影响力的画家，出生于大师辈出之家。这幅画其中一个最引人注目的元素是圣母玛利亚外袍上浓艳的蓝色。贝利尼绘制这幅画时使用了高质量的群青颜料，这是威尼斯文艺复兴时期所有艺术家最渴求的颜料。群青是从青金石提炼而成，那是一种珍贵的半宝石。当时，全球只有一个地区盛产青金石，位于现在的阿富汗。青金石的浓艳蓝色就由丝绸之路通过船运进入欧洲。

在十五和十六世纪，威尼斯共和国是欧洲最富有、文化最多元化的城邦之一。它是东方到欧洲贸易路线上的第一个欧洲港口，制作颜料所需要的原材料都会运到这里，因此当地艺术家可以第一时间从中择优购入。贝利尼等威尼斯画家透过研究以油彩运用著称的北欧艺术，探索如何运用色彩，如何令图像更自然逼真。

9003. 圣泽诺比乌斯的三个奇迹

桑德罗．波提切利是十五世纪意大利最受敬仰的画家之一。这幅画描绘了五世纪佛罗伦萨主教圣泽诺比乌斯在佛罗伦萨的圣皮埃尔．马焦雷广场创造三个奇迹的场景。画面的两侧有台阶，台阶边缘所形成的倾斜线看起来正往同一个点延伸汇合。这种构图手法就是单点线性透视法，画家巧妙运用这种技巧将我们的目光引向画面中心的焦点——圣泽诺比乌斯创造奇迹的戏剧性场景。

文艺复兴时期的画作中经常出现拱门和通道，吸引观赏者步入画作，并经历一段视觉之旅。波提切利利用这些建筑元素来构建他想要讲述的故事，从而吸引我们参与事件的发展。

线条和构图技巧是十五世纪佛罗伦萨画派中最重要的元素。波提切利这幅木板画充分展现了他娴熟运用两者的技巧，奠定了他属于那个时代最伟大画家之一的地位。

9004. 祈祷的圣母

桑索费莱托擅长创作供人们私下祷告使用的画作。画中的圣母玛利亚正在祈祷，她低着头，双手合十。画面的光线对比鲜明、色彩生动、情感强烈，这些是巴洛克绘画的特征，也是桑索费莱托的典型风格。他的画作正是以强烈的色彩、柔和的造形和珐琅般的质感而闻名。

十七世纪欧洲艺术界以罗马为中心。许多画家在罗马钻研艺术，向过往的大师学习。一如一百年前的拉斐尔在罗马收获盛名，桑索费莱托也在这里开创了自己的事业。他仔细研究过拉斐尔的作品，并加以临摹。你面前左侧名为《加瓦圣母》的作品，便是学习对象之一。

桑索费莱托也十分欣赏他的同代画家圭多．雷尼。你身后的那幅画作就是雷尼的作品，供人们安静冥想时使用。这些圣像特写，十分强调个人而感性的宗教体验，满足了那个时代的需求。

9005. 圣母子与施洗者约翰（加瓦圣母）

拉斐尔长期以来被公认为十六世纪初最顶尖的画家。在这幅画中，圣母玛利亚、小耶稣和施洗约翰形成了三角形的构图。根据此画的草图可知，拉斐尔曾反复尝试，让圣母子二人呈现不同的姿势。画作的背景有些模糊而色彩柔和，与圣母长裙的粉色以及她上衣和外袍蓝色呼应。透过窗户，我们可以看到左边是一座教堂，右边有一栋更大的建筑。这些建筑跟拉斐尔到达罗马之前绘画背景中的建筑不一样。

这幅画是文艺复兴盛期（即1490年代至1527年之间）的代表作，艺术风格强调和谐、精准和经典式平衡。同时期的其他伟大艺术家还有达．芬奇、米开朗基罗和提香。他们拥有全新的地位身份，不再仅仅是工匠，而是拥有「神圣」力量的艺术家。拉斐尔曾受委托为罗马梵蒂冈绘制壁画，同时另作此画，供人私下敬拜时使用。

9006. 宝座上的圣母子和四位天使

昆廷．马西斯是低地国家著名的宗教画和肖像画家。仔细观赏这幅画，我们可以看到马西斯用快速笔触和圆点来描绘圣母皇冠上的珠宝和亮点，以及她长袍上刺绣边缘的金线。对于圣母的脸部，马西斯先用白色和灰色做了一层底色，然后涂上非常淡的粉红肌肤色。画家运用油画颜料的娴熟技巧，也体现在他对更巧妙的细节描绘上，天使们蓬松的头发便是一个例子。

油画颜料是用油和干颜料混合而成的。可用的油有不同种类，例如亚麻仁油、核桃油和罂粟油。油画颜料相对蛋彩需要较长时间干透，运用更加自如，因而多为艺术家采用。在十五世纪初，荷兰及比利时等低地国家的艺术家们开始用稀薄而半透明油画颜料进行创作，因此能以高精准度与饱和色彩描绘真实世界的细节。这个技法革新彻底改变了欧洲绘画的进程，影响远至威尼斯和罗马。

9007. 酒神的养育

十七世纪法国画家尼古拉．普桑是一位古典主义大师。这幅画中肌肉健硕的人物和披搭在他们身上的布料，显示了普桑对古希腊罗马艺术的迷醉，而画面的构图则显露出古代浮雕对他的影响，以及他稔熟于罗马所藏提香、乔瓦尼．贝利尼等十六世纪威尼斯画家的作品。

提起「古典」一词，我们常用以描述古希腊罗马的艺术和文化。普桑的灵感来自于希腊罗马时代的艺术风格，而他的赞助者不少是罗马和巴黎的知识分子，因此他透彻研究古典时期的历史，试图重现那个世界，进而创造出以「古典」见称的作品。

十七世纪欧陆各地的画家视意大利为家园，普桑也不例外。虽然他出生于法国北部的诺曼底，但他的艺术生涯几乎都在罗马度过。

9008. 被蜥蜴咬伤的男孩

卡拉瓦乔出生于1571年，是艺术史上极富革命性的人物。他提倡绘画要直接源于自然，这是他最具开创性的一面。卡拉瓦乔十分重视观察自然，忠实地捕捉其本质。看看樱桃和李子高度逼真的静物画像，以及插着玫瑰和茉莉的玻璃花瓶。再仔细观察，你甚至可以在玻璃表面上看到房间的倒影。

卡拉瓦乔另一个独特的技巧就是直接描绘人物的方法。他会将人物直接画在画布上，而不会预先画很多遍草稿。请留意他如何透过戏剧性的光线和强烈的明暗对比去突出男孩夸张的脸部表情。

这幅画是卡拉瓦乔在罗马生活早期的作品，当时他年约二十三岁。有趣的是，根据记载，这幅画在公开市场售出后，卡拉瓦乔只得到很少的报酬。但事实证明，这幅画非常受欢迎，以致在十七世纪早期出现了很多复制品和描绘男孩被小龙虾、螃蟹和蝎子弄伤的衍生品。

9009. 庭院里的音乐会

在这幅画中，一小群人聚集在庭院里。在昏暗的前景中，我们可以很容易便看到一位坐着的女士，她因佩戴了珍珠项链和珍珠耳环而更为突出。请留意她如何优雅地拿一支精美的银色搅拌棒和带有精致底座的玻璃杯。这些物品反映了她高雅的品味和财富。桌上的地毯和柳橙都是昂贵的进口商品，象征画中人物的尊贵地位。

观看画面的右方，我们可以看到后面的城市风景，它极有可能是阿姆斯特丹。十七世纪的荷兰艺术家彼得．德．霍赫以描绘庭院人物而闻名，他的艺术创作一直围绕此主题。该作品中，他高明地利用拱门上和门外的景色创造空间深度，并在拱门题上他的签名和日期。

荷兰共和国于十七世纪脱离西班牙统治而独立之后，享受着前所未有的「黄金时代」，地方富裕，并在欧洲的知识和艺术生活中产生了重要的影响。成功的商人、船商、银行家和制造商形成了新的社会精英阶层，他们也担任艺术赞助人的角色，委托艺术家创作世俗主题画来装饰家居、彰显地位，本画就是一例。

9010. 女孩肖像

这幅十五世纪末的肖像画大概成于多梅尼科．吉兰达约工作室的某一成员之手。吉兰达约是一位著名的画家，他的工作室成员包括他的兄弟、姐夫和儿子。有趣的是，年轻的米开朗基罗也曾经是他的学徒之一。在中世纪和文艺复兴时期，绘画被认为是一种工艺，而有些艺术家也会经营工作室，并有学徒、有助手。首席学徒或助手可以在没有艺术家参与的情况下创作。这种绘画被称为「工作室作品」。

文艺复兴时期，欧洲艺术家对逼真肖像画产生了强烈的兴趣。他们的画作不再只是浮泛笼统，而是更注重画中人物的独特性。艺术家会通过这些人物的日常生活来研究其特征，当然也常常加以理想化。例如古希腊罗马的雕塑和钱币上都有可以辨认的男女形象，因此成为文艺复兴时期艺术家们模仿取法的对象。

9011. 年轻公主（丹麦的多萝西娅？）

这幅木板画是早期荷兰艺术家扬．戈塞特创作的，他用了当时北欧最坚实的优质栎木来绘制这幅画作。多年后，颜料已经变得更透明，使我们能够看到下面的层次。仔细观察小女孩的手和衣服，也可以分辨出多处的底稿草图。

这幅画的栎木板面是以当时的典型加工方法制成的︰首先涂上一层动物胶，再上一层白垩，最后涂上铅白底漆。这样的工序使它形成光滑的表面，艺术家就能在上面画出图像的轮廓，之后再精心涂上油画颜料。

有趣的是，英国国家美术馆收藏的十五世纪至十六世纪中叶的北欧绘画，大部分都是木板画。德国由于森林茂密，绘画使用的木材都是艺术家所在地区生长的树木，包括栎树、山毛欅、椴树、云杉、冷杉、松树、榆树和枫树。但几乎所有早期荷兰画作，包括这幅作品的木板，都是使用栎木，而栎木的主要产地之一则是欧洲波罗的海地区。

9012. 六十三岁的自画像

伦勃朗是有史以来最著名的荷兰画家之一。这是伦勃朗晚年创作的一幅经过周密设计而又忠实的自画像。仔细观赏这幅画，你可以看到画布上的笔触。伦勃朗以浓厚的颜料创造出纹理效果，这种技巧被称为「厚涂法」。

为了制作油画颜料，艺术家将干颜料与油混合，并将两者一起均匀研磨，达到所需的稠度。使用的油、颜料及其调配比例，将决定颜料的颜色和质地。

在这幅自画像中，你可以在伦勃朗纹理丰富的脸部和毛领上清晰地看到厚涂法的效果。纹理为此画带来了视觉上的深度和维度，使其栩栩如生。

注意伦勃朗在这幅自画像中所穿的服装也意义重大。这件紧身、高领的毛皮衬里夹克被称为男用马甲，见于十五世纪以来的著名画作。伦勃朗在这幅自画像中选择这种服装，意味着他为自己对于过往知名艺术家及固有传统的继承而自豪。

9013. 文森佐．莫罗西尼的肖像

雅各布．丁托列托是十六世纪威尼斯绘画三巨头之一，与提香、委罗内塞并列。

请观察一下画中人物披肩上的黄色花纹和长袍上的深红色绉褶质感。视觉上，丁托列托的笔触显得松散，这通常被称为「涂绘」。同时代一些画家由此认为它仍是粗糙而未完工的画作。乔尔乔·瓦萨里是文艺复兴时期的画家兼传记作家，他在《艺苑名人传》中写道，丁托列托「是一位杰出的大师，但从未完成过一幅画」。

丁托列托绘画喜用帆布，布料通常由亚麻或大麻制成。帆布突显了丁托列托画作的涂绘效果，笔刷越干，画布的纹理越粗，笔触的视觉效果就越强。技术分析显示丁托列托使用了多种编织类型不同的画布。

1500年左右，欧洲尤其是北欧仍然广泛流行木板画，帆布画却已开始在意大利风行。帆布比木板便宜，也更容易生产，而且帆布的不同纹理还为艺术家的创新提供了更多的可能。

9014. 狂风中的荷兰船和其他小船

请看画中那些精细描绘的船只。战舰的船身有炮口，前端有凸出的船头雕饰。从这幅画可以看出， 小威廉．凡．德．维尔德继承了他父亲的的才华和专业知识。他的父亲老凡．德．维尔德就以描绘精准的海洋画和钢笔画闻名于世。

凡．德．维尔德父子是海员的后裔，他们自己也曾在海上探险。凭着对船只、舰队和海战的第一手经验和深入了解，他们都能细腻地描绘这些题材。他们的画作影响了包括透纳在内的一代又一代艺术家。众所周知，透纳曾说，凡．德．维尔德有一幅描绘暴风雨的海洋画激发他成为了画家。

在十七世纪，荷兰共和国是个海洋强国。在那个黄金时代，它拥有强大的海权和商业实力。荷兰船只往返美洲、非洲和亚洲，将贸易货品运送到全球各地。荷兰艺术家也对航海场景深感着迷，他们描绘了海上和海岸边变化万千的状况，以及各种类型的船只。

9015. 海洛与利安德的离别（来自希腊诗人穆塞俄斯）

这个部分展出了约瑟夫・马洛德・威廉・透纳和约翰・康斯特布尔的两幅不朽画作。透纳擅长描绘文学典故里的震撼场景，而这幅《海洛与利安德的离别》就是一个最好的范例：画面中的海洋汹涌澎湃，天空光怪陆离，充满戏剧性。画面右边绘出汹涌波涛中的海仙女，左边绘着有序向后延伸的楼梯与古典的城市，两者形成鲜明对比。

相较之下，康斯特布尔的《史特拉福磨坊》则呈现出一种完全不同的自然景象，他描绘的英国东部萨福克郡的故乡风景，平静自然，充满了怀旧情调。

透纳和康斯特布尔都属于浪漫主义艺术家。作为一种艺术运动，浪漫主义提倡自然，注重个人特质与强烈情感。正如这两幅截然不同的画作所示，浪漫主义作品呈现出艺术风格多样化的面貌。康斯特布尔写道，对他来说，绘画是「『感觉』的同义词」。法国诗人和艺术评论家夏尔・波特莱尔也持有类似观点，他说︰「浪漫主义的精神恰恰不在于创作的主题，也不在于对现实的准确呈现，而是一种感受的方式。」

9016. 威尼斯：卡纳雷吉欧区入口

卡纳莱托的这幅画似乎暗示，若要在美感与准确性之间作出取舍，他更重视美感。他就像一位幻术师，让我们误以为自己看到了真实的威尼斯，但其实只是他眼中的威尼斯。然而经仔细观察后，我们注意到画家在艺术上的自由发挥。画面右边的宫殿，与实物相比，它角度显得更突出。画面左边的钟楼则比真实的更为细长，而画面中间的方尖塔桥比实际的更大，位置更靠中间，离我们更近。整条运河的观感比现实中更为开阔。

到1730年代中期，卡纳莱托成为了威尼斯最受追捧的艺术家。为了满足日益增长的需求，他会创作多个构图相近的版本——应该特别注意的是，他的画作都不是在现场完成的。很多十八世纪的风景画家创作时都会使用暗箱。卡纳莱托很可能也曾用它来捕捉威尼斯的真实景观，威尼斯科雷尔博物馆正正就收藏了一件暗箱保护罩，上面刻有卡纳莱托名字的缩写­。

9017. 圣乌苏拉登船的海港

十七世纪的法国画家克劳德・热莱对十八及十九世纪的风景画家产生了巨大的影响，其中包括了透纳和康斯特布尔。克劳德的风景画被视为“古典”绘画，因为他采用平衡构图可以使观众沉浸于理想化的古典传统宁静氛围中。他的风景画成为了评价真实风景的标准，而英国的地主更受克劳德画作的启发，改造乡间别墅的花园，再现其描绘的风景。

这幅画与《圣乔治屠龙》是一组对画，《圣乔治屠龙》现藏于美国康乃狄格州的沃兹沃思艺术学院艺术博物馆。对画的两幅作品原本要并排悬挂。克劳德喜欢对画，往往会相隔两年甚至更长的时间才创作出对画的第二幅作品。两幅画可能具有共同性，也可能差异明显而形成对比。这一组对画将港口场景与古典的远山景观搭配在一起，促使观众更深入地思考每幅画的意义。这个展区同时展出了萨尔瓦多．罗萨创作的《墨丘利与不诚实的樵夫》，也来自一组对画，与之成对的是《发现摩西》，现藏于美国底特律美术馆。

9018. 鸢尾花

印象派画家克劳德．莫奈曾经给一位年轻画家这样的建议：「当你到外面画画的时候，尝试忘记你眼前的树、房子、田野等各种事物。你要想的只是，这里是一个小小的蓝色方块，这里是一个粉红色的长方形，这里是一条黄色的条纹。它们看起来像甚么，你就原原本本地画它们的颜色和形状，直到画出你对面前景色的直率印象。」

欧洲的户外绘画传统可以追溯至十八世纪晚期的罗马。当时，年轻的艺术家们会到郊外直接观察大自然以捕捉它的本质，在户外画油画素描，作为练习和搜集备用的参考素材，而这些素描作品不会用作公开展出的。相反，莫奈和他的印象派画家伙伴到户外绘画则完全是为了创作可以公开展示、传达自然感觉的作品。

可是，莫奈的《鸢尾花》并不是为出售或展览而画。它只是莫奈创作《大装饰画》时所做的一部分研习功课。《大装饰画》是个大型艺术装饰，主题是莫奈在吉维尼家中的水上花园。

9019. 窗前果盘和啤酒杯

十九世纪的法国画家保罗．高更对画面的每一部分都同等重视，经常利用不同颜色来构建空间，并塑造事物的形态。这幅画中的白色布料以淡绿色、蓝色、粉红色和灰色描画，而水果则是以色彩对比鲜明的坚实笔触画成。这幅画模仿了保罗．塞尚的《果盘静物》。请留意这幅画背景中的屋顶，它们由倾斜线、水平线、垂直线以及色块组成，自然让人联想到塞尚风景画中相似的屋顶。

英国艺术评论家罗杰．弗莱将高更和塞尚等艺术家归类为「后印象派」。这些在「印象派」之后出现的画作所包含的主题和技巧更加多样化，弗莱就在1910年创造了「后印象派」这个词去描述这些作品。塞尚的画作在于1874年首届印象派展览上展出，而高更的作品则在1886年第八届也是最后一届的印象派展览中展出。两位艺术家都十分欣赏印象派的创新突破，但同时又想要超越印象派所强调的整体视觉效果。他们以独特的方式运用颜色来塑造对象的形态，藉此探索艺术表达象征或情感的可能。

9020. 长草地与蝴蝶

文森特．梵高可能是世界上最受欢迎的后印象派画家。

他热衷于户外写生。在早期写的一封信中，他曾劝勉弟弟提奥说：「要坚持远足，热爱大自然，因为这是逐步理解艺术的正统方法。画家们理解大自然、热爱大自然，并且引导我们观赏大自然。」

这幅画的笔触非常有力，颜料厚得像浮雕一般突出，梵高为平面的画作赋予了近乎雕刻的触感。他用的这种技巧称为「厚涂法」，即是画家用画笔或调色刀涂抹厚厚的颜料来绘画，颜料的表面有时会混入沙粒、小石子或植物的碎屑，甚至还有昆虫的足迹。

梵高曾给他的朋友艾米尔．贝纳写信叙述自己的创作方法：「我总是直接在现场作画，绘画时我会尽力在素描中捕捉事物的本质——然后才去填满那些由线条划分出来的空间。」后来，梵高还曾写道：「我们该聆听的并不是画家们说了甚么，而是大自然在说甚么。」